10 filmmakers die zich tot het uiterste hebben ingespannen om hun films te maken

Soms gebeurt het ondenkbare per ongeluk op een filmset, en soms is het zo ontworpen. Het is zeker niet ongebruikelijk dat een regisseur levensgrote eisen stelt en de zeeën opdracht geeft zich te scheiden om het perfecte shot te krijgen. Sommigen zijn echter verder gegaan dan anderen om dit te bereiken, door wat als nauwelijks haalbaar kan worden beschouwd, op te voeren tot 11.

In naam van creativiteit, authenticiteit en pure durf hebben deze filmmakers de voorzichtigheid overboord gegooid en baanbrekende technologische innovaties geïntroduceerd, ondenkbare structuren geconstrueerd, acteurs tot het uiterste gedreven en tot het uiterste gegaan om de film te maken die ze wilden.

Verwant: Top 10 ondergewaardeerde regiedebuuten die je moet zien

10 Abel Gance creëerde een nieuw formaat (Napoléon, 1927)

Lang voordat Ridley Scott het verhaal van de beruchte Franse commandant ter sprake bracht, maakte Abel Gance de zeer invloedrijke stomme film Napoleon. Het 330 minuten durende mega-epos vertelt het verhaal van het leven van Napoleon Bonaparte, van de militaire school tot de invasie van Italië, en wordt geprezen als een filmisch meesterwerk, dat baanbrekend is voor een meeslepende, vloeiende camerastijl die in strijd was met de voornamelijk statische conventie voor het maken van opnamen bij de tijd.

Bij het maken van werd een verscheidenheid aan innovatieve technieken gebruikt Napoleoninclusief surrealistisch kleurgebruik, meervoudige belichting en caleidoscopische beelden, was de belangrijkste innovatie Gance’s uitvinding van een geheel nieuw filmformaat.

De regisseur creëerde Polyvision, een format op maat ontworpen om zijn visie op de panoramische climax van de film te verwezenlijken. Drie keer zo breed als de standaardprojectie destijds en nog steeds aanzienlijk breder dan welke beeldverhouding dan ook die tegenwoordig wordt gebruikt, omvatte Gance’s Polyvision het op elkaar stapelen van drie camera’s terwijl hij zijn sequenties en drie projectoren naast elkaar opnam om deze te projecteren. Het is onnodig om te zeggen dat het format nooit van de grond is gekomen, maar de reikwijdte, ambitie en het eindproduct zijn allemaal uniek indrukwekkend.^[1]

9 De gigantische windmolen van Terry Gilliam (de man die Don Quichot vermoordde, 2018)

De absurdistische buitengewone filmmaker Terry Gilliam heeft drie decennia lang geprobeerd te maken De man die Don Quichot heeft vermoord, vechten tegen studio’s en tegenslagen en wegkwijnen in de ontwikkelingshel. Niettemin zette hij door en bracht de film in 2018 naar het publiek, waarbij Adam Driver en Jonathan Pryce hielpen een gedurfd, zij het gebrekkig beeld in te luiden dat een einde maakte aan de worstelingen van de regisseur.

Een van de vele uitdagingen onderweg was het bouwen van de beroemde windmolens, waarvan Quichot gelooft dat het reuzen zijn. Ondanks dat hij al dertig jaar in de maak was, had Gilliam beperkte voorbereidingstijd voor de opnames dankzij de beperkingen van de vergunningen die bepaalden waar en wanneer hij op verschillende historische locaties kon filmen.

Als gevolg hiervan bouwde hij in recordtijd windmolens in veel dorpen en kastelen, terwijl hij met zijn creaties rondreisde door het vasteland van Spanje, de Canarische Eilanden en Portugal. Maar een van de moeilijkste logistieke uitdagingen was het bouwen van het bouwwerk boven een oud dorp uit de 6e eeuw. Om ervoor te zorgen dat de productie de waardevolle ruimte precies zo achterliet als ze die aantroffen, hadden ze een archeoloog bij de hand die de leiding had over het werk – en gelukkig is er voor alle betrokkenen niets beschadigd.^[2]

8 Alfred Hitchcock gooide levende vogels naar zijn ster (The Birds, 1963)

Ondanks dat hij een van de meest gerespecteerde filmmakers aller tijden was, waren de relaties van Alfred Hitchcock met zijn vrouwelijke sterren notoir beladen, en misschien niet meer dan met Tippi Hedren, de ster van de iconische wezenfilm De vogels.

Als hoofdrolspeler in de film heeft Hedren aanzienlijk meer filmtijd dan wie dan ook, en dit betekende dat ze gedurende een lange productie dicht bij de regisseur was. Het paar had vanaf het begin een hekel aan elkaar, en de daaruit voortvloeiende spanning bereikte een hoogtepunt tijdens het filmen van de scène waarin Hedrens personage wordt overspoeld door vogels die zich een weg door het dak het huis binnen hebben gepikt.

Vastbesloten om deze reeks zo echt mogelijk te maken, stond Hitchcock erop levende vogels te gebruiken. Ondanks dat de scène maar een minuut schermtijd duurde, bekogelden begeleiders Hedren vijf dagen lang met vogels in alle soorten en maten – iets wat de ster toeschreef aan de haat van de regisseur voor haar. Het eindresultaat is opvallend, maar het is moeilijk te verdedigen dat het het fysieke en emotionele trauma waard is dat Hedren heeft moeten doorstaan.^[3]

7 Terrence Malick’s Locust Peanut Shells (Days of Heaven, 1978)

Terrence Malick, een veel welwillender maar niet minder toegewijde regisseur dan Hitchcock, is altijd bereid geweest om tot het uiterste te gaan om de film te maken die hij wil maken, waarbij hij de afgelopen jaren onder meer conventionele plotten en verhalen schuwde ten gunste van lossere, meer thematische films. composities (zowel publiek als critici verbijsterend).

In de begindagen van Malick, toen hij zijn tweede grote romantische periodedrama maakte Dagen van de hemel, zat de regisseur vast over hoe hij het effect moest creëren van een sprinkhanenplaag die uit zijn tarwevelden opstijgt. In tegenstelling tot Hitchcock overwoog hij niet om levende dieren te gebruiken. Maar dankzij zijn directeur fotografie, Néstor Almendros, hoefde hij dat niet te doen.

Almendros stelde een logistiek gedurfde techniek voor die het effect zou opleveren en tegelijkertijd de controle over de scène zou behouden, en Malick was het daarmee eens. Ze huurden helikopters en gebruikten deze om duizenden pindadoppen te laten vallen terwijl ze de camera’s achteruit lieten draaien. Bij voorwaartse projectie leken de pinda-sprinkhanen uit de grond te vliegen en rond de acteurs in de opname te wervelen. Hoewel niemand op dat moment overtuigd was, zette Malick het erdoor, en het werkte als een tierelier.^[4]

6 Howard Hughes’s hondengevechtstunts (Hell’s Angels, 1930)

Enkele decennia vóór de oprichting van de beruchte outlaw-motorclub met dezelfde naam, Hells Angels raakte het zilveren scherm. De film toont militaire vliegtuigen en luchtgevechten en is geworteld in het verhaal van twee broers wier lidmaatschap van het Britse Royal Flying Corps tijdens de Eerste Wereldoorlog deze kenmerken bepaalt.

Onder leiding van de excentrieke Amerikaanse tycoon Howard Hughes kostte het een klein fortuin om het te verdienen en ondanks dat het goed deed aan de kassa, was het niet break-even. Hughes – een vliegtuigliefhebber en vlieger – ontwierp kosten noch moeite voor een van de belangrijkste passieprojecten van zijn leven en ontwierp zelf de luchtgevechten, waarbij hij opwinding en gevaar belangrijker vond dan pragmatisme en veiligheid.

Zo hardnekkig was Hughes’ zoektocht naar de perfecte luchtfoto’s, en zo groot was zijn ego dat hij besloot zelf de gevaarlijkste manoeuvres uit te voeren, aangezien zijn stuntpiloten niet bereid waren ze uit te voeren. Hughes ging de lucht in in een echt vliegtuig uit de Eerste Wereldoorlog en stortte niet verrassend neer, maar liep weg met zijn leven en een paar goede foto’s om dat te laten zien.^[5]

5 Tom Hooper liet de hele cast live zingen (Les Misérables, 2012)

Claude-Michel Schönberg, Alain Boublil en Jean-Marc Natel bewerkten de 19e-eeuwse historische roman van Victor Hugo tot musical in 1980, en sindsdien hebben ze Les Misérables is een non-stop mondiaal fenomeen geweest. Als zodanig zijn er de afgelopen veertig jaar verschillende filmversies gemaakt, maar geen enkele is zo gedurfd als de all-star-bewerking van Tom Hooper uit 2012.

Met een cast bestaande uit Hugh Jackman, Anne Hathaway, Russell Crowe en anderen, zat er veel in de versie van Hooper, en in plaats van het in tweeën te doen, koos de regisseur ervoor om iedereen zijn of haar rollen live te laten zingen (in plaats van ze achteraf in te dubben). zoals de norm). Bij elke opname zong de acteur het hele lied voor een reeks creatief vermomde microfoons, terwijl een pianist in hun oortje speelde. Dit was ongekend, vooral in een film met zo’n groot bereik en budget, waarin acteurs met verschillende ervaringsniveaus (in plaats van bijvoorbeeld getrainde zangers) handelden op hun eigen rauwe vocale karbonades.

Niettemin slaagde Hooper erin om, door zijn acteurs de vrijheid te geven om het tempo, de intonatie en de accenten van de liedjes tijdens hun uitvoering aan te passen, een genuanceerde, originele kijk op reeds betreden materiaal te produceren dat niettemin zijn wortels in het theater heeft.^[6]

4 James Cameron patenteerde nieuwe onderwaterfilmtechnologie (Titanic, 1997)

Hoewel James Cameron carrière heeft gemaakt door technologische innovatie en het maken van films te combineren en de vooruitgang in de film naar voren te brengen om bij zijn projecten te passen, kwam een ​​van de meest indrukwekkende voorbeelden van zijn vindingrijkheid vóór zijn mega-blockbuster. Titanischbeïnvloed door de productie-uitdagingen die hij ondervond tijdens het maken van de films uit 1989 De afgrond.

Op zoek naar een niveau van manoeuvreerbaarheid onder water tijdens het filmen dat op dat moment gewoon niet bestond, werkte Cameron twee jaar later samen aan een ontwerp voor een apparaat waarmee cameramensen en apparatuur gemakkelijker konden bewegen tijdens onderwaterscènes. De technologie drijft de gebruiker aan met propellers die aan een dolly zijn bevestigd. Hoewel het misschien een eenvoudige oplossing lijkt, had niemand het vóór 1991 gedaan!

En het werkte: het stelde Cameron en zijn team in staat om een ​​paar jaar later veel vloeiender en naadloos te filmen in onderwateromgevingen. onderwaterbeelden van het echte Titanisch zowel om in de film te gebruiken als om het ontwerp van zijn decors te informeren.^[7]

3 Werner Herzog trok een boot over een heuvel (Fitzcarraldo, 1982)

Fitzcarraldo was een notoir uitdagende productie voor de uitgestreken Duitse regisseur Werner Herzog, die eindeloos werd verergerd door de vijandschap tussen hem en zijn hoofdrolspeler, Klaus Kinski. Hoewel de spanningen hoog waren en er veel doodsbedreigingen waren, was de grootste uitdaging van de productie eigenlijk de logistiek.

De film draait om de toekomstige rubberbaron (Kinski), die vastbesloten is zijn stoomschip over een steile heuvel te vervoeren om toegang te krijgen tot een gebied in de Amazone dat rijk is aan rubber. In zijn poging trouw te blijven aan het soort geënsceneerd realisme dat in het latere werk van de regisseur uitmondde in het werkelijk absurde (bekijk de interviewsequenties van de film uit 2005) Grizzly man) zou Herzog met niets minder genoegen nemen dan daadwerkelijk een boot over een heuvel trekken.

Zo moesten de regisseur en zijn bemanning op locatie 320 ton echt stoomschip zonder speciale effecten over een gladde, modderige heuvel verplaatsen. Herzog volbracht deze prestatie met slechts dubbelcijferige verwondingen en de dood van verschillende inheemse volkeren en kroonde zichzelf tot ‘Veroveraar van de Nuttelozen’, ervan overtuigd dat niemand eerder zo’n prestatie had geleverd. Gezien de nachtmerrie op het gebied van gezondheid en veiligheid, zullen ze dat waarschijnlijk nooit meer doen.^[8]

2 Jacques Tati bouwde een stad (PlayTime, 1967)

Jacques Tati’s meest gedurfde en gedurfde film, Speeltijd, ziet de Franse auteur zijn verhaal situeren in een toekomstig Parijs dat aanzienlijk is vervormd onder de laars van het consumentenkapitalisme. Grotendeels afwezig zijn de vele architecturale wonderen van de stad, vervangen door rij na rij identieke, grijze, brutalistische gebouwen.

Omdat Parijs beperkingen heeft op wat er binnen de stad gebouwd kan worden, was er weinig hoop dat Tati een stuk land zou kunnen veroveren dat groot genoeg was om zijn futuristische façade op te richten, en hij was geen fan van de fabrieken die als vervanging werden voorgesteld. Omdat Tati dus niet bereid was een compromis te sluiten over zijn visie, was Tati’s enige optie (in zijn gedachten) om de stad helemaal opnieuw op te bouwen.

Voor het fotograferen had hij echter niet een hele stad nodig, dus werd er iets groters in de plaats gebouwd, liefkozend bekend als ‘Tativille’. De stad werd binnen drie maanden gebouwd op een open veld ten oosten van Parijs dat door het stadsbestuur aan de directeur werd verhuurd. Het had een eigen luchtvaartterminal, winkels en hoge kantoren. Hoewel de regisseur zijn geliefde stad probeerde te redden, gaf de Franse minister van Cultuur André Malraux opdracht tot de sloop van Tativille nadat de film was afgerond.^[9]

1 Klim Shipenko ging naar de ruimte (The Challenge, 2023)

De ruimterace was een van de belangrijke sociale en technologische gebeurtenissen van de Koude Oorlog, toen de VS en Rusland met hand en tand vochten om als eerste een mens op de maan te krijgen. Hoewel de Verenigde Staten als winnaar uit de bus kwamen, heeft dat de Russen er de jaren daarna niet van weerhouden wanhopig te blijven proberen hen op de proef te stellen. En hoewel veel van de Russische ruimtevaartprojecten slecht gepland, ondergefinancierd en noodlottig zijn, is dat bij één niet het geval.

De film uit 2023 van de Russische regisseur Klim Shipenko De uitdaging– waarin een chirurg (Yulia Peresild) naar het International Space System wordt gestuurd om een ​​kosmonaut te redden die te zwak is om naar de aarde terug te keren – heeft alle grenzen doorbroken door zich daadwerkelijk in de ruimte af te spelen. Shipenko vergezelde Peresild in 2021 in een baan om de aarde en voerde een 12-daagse missie uit waarbij het paar scènes opnam in het eigenlijke ISS.

Ongeacht of het daadwerkelijk goed is of niet, De uitdaging is de eerste film die ooit in de ruimte is opgenomen, waarmee hij een soortgelijk project van Tom Cruise en Elon Musk overtreft en Shipenko en zijn bemanning rechtstreeks de geschiedenisboeken in schiet.^[10]